Saturday, August 25, 2007



Arctic Monkeys - Whatever People Say I Am, That's What I'm Not (2006)

Tracklist:

1. View From The Afternoon, The
2. I Bet You Look Good On The Dancefloor
3. Fake Tales Of San Francisco
4. Dancing Shoes
5. You Probably Couldn't See The Lights But You Were Looking Straight At Me
6. Still Take You Home
7. Riot Van
8. Red Light Indicates The Doors Are Secured
9. Mardy Bum
10. Perhaps Vampires Is A Bit Strong But...
11. When The Sun Goes Down
12. From The Ritz To The Rubble
13. Certain Romance, A

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Thursday, August 23, 2007


SNOW PATROL

La historia de Snow Patrol empieza en la universidad de Dundee, Escocia. El inquieto Gary Lightbody (voz y guitarra) conoce allí a Mark McClelland (bajo y teclados) en 1994, para iniciar una relación de amistad que pasará a ser musical bajo el nombre de Polar Bear. Sus composiciones van cobrando forma mientras el miedo a problemas legales –el ex - Jane’s Addiction Eric Avery estaba utilizando su misma nomenclatura para un proyecto personal-, hace que el dúo se rebautice como Snow Patrol. El batería John Quinn se agrega a la formación y tras firmar por el sello Jeepster, la patrulla nívea debuta con el álbum ‘Songs for polar bears’ (Jeepster, 1998), para lograr un notable éxito en la escena alternativa del Reino Unido. Tras finalizar sus estudios, los integrantes del trío se instalan en Glasgow a finales de 2000, antes de grabar su segundo trabajo, ‘When it’s all over we still have to clear up’ (Jeepster, 2001), que aparece durante la primavera de 2001. Las relaciones con la discográfica no son todo lo buenas que se podría desear y la incómoda situación acabará por romper la relación entre ambos interesados. El guitarrista Nathan Connolly es reclutado por la banda, mientras Snow Patrol entran a formar parte de la escudería Fiction Records –un sub-sello de Polydor-. Ya como cuarteto entregan ‘Final Straw’ (Universal, 2004), un tercer disco que les confirma como referencia en la escena de Glasgow. Sin embargo, en lo mejor de la carrera del grupo, McClelland decide abandonar el grupo, cosa que hará a principios de 2005. Su baja será cubierta por Paul Wilson al bajo y Tom Simpson a los teclados. En 2006, publican ‘Eyes Open’ (A&M, 2006) consiguiendo un extraordinario éxito, sobre todo, en los Estados Unidos.


Snow Patrol - Run




Snow Patrol - Chocolate




Influencias:

ROCK ALTERNATIVO

El sonido de Snow Patrol se destila a través de influencias dispares captadas del rock alternativo. De la escena estadounidense a Glasgow hay un paso, aunque por proximidad real, el virus Radiohead hace sus síntomas cada vez más visibles en la música del grupo. El guitarreo independiente ha ido dejando mayores espacios para los momentos reflexivos.

ESCOCIA

La escena escocesa es interesante y fuertemente cohesionada. Prueba de ello es el super-grupo The Reindeer Section, donde militan algunos miembros de Snow Patrol junto a personajes procedentes de otras formaciones locales como Belle & Sebastian, Teenage Fanclub o The Arab Strap. Siendo así, aunque cada proyecto tiene su propio talante, es inevitable el tráfico de ideas y experiencias entre la élite musical del país


Disco Recomendado:

Snow Patrol - Final Straw (2004)

El tercer álbum de la banda escocesa mantiene las coordenadas de sus anteriores entregas, aunque es evidente una mayor soltura a la hora de transcribir sus influencias e ideas en canciones de pop-rock rasposo y afectado. Sin resultar tan plastas como Coldplay o similares, los de Dundee no esconden su agrado por las baladas, aunque éstas se alternan con medios tiempos y cortes más vitaminados como ‘Wow’ y ‘Tiny little fractures’. Hasta el momento es su trabajo más competente e intencionado.



Tracklist:

1. How To Be Dead
2. Wow
3. Gleaming Auction
4. Whatever's Left
5. Spitting Games
6. Chocolate
7. Run
8. Grazed Knees
9. Ways & Means
10. Tiny Little Fractures
11. Somewhere A Clock Is Ticking
12. Same

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Dream Theater es una banda estadounidense de metal progresivo, iniciada por tres estudiantes de Berklee en 1985. En sus veinte años, se ha convertido en una de las bandas de metal progresivo comercialmente más exitosas después de la época de oro del rock progresivo a mediados de los años 1970, a pesar de ser relativamente desconocidos en los círculos mainstream del pop y del rock. Sus dos álbumes con más ventas son Images and Words de 1992, que les mereció un disco de oro y es consistentemente reconocido como un lanzamiento germinatorio del metal progresivo, a pesar de que sólo alcanzó el número 61 en la cartelera Billboard 200; y Octavarium de 2005, que alcanzó el número 36 en la cartelera Billboard 200.

La banda es acá bien conocida por la capacidad técnica de cada instrumentista, y ha recibido numerosos premios de revistas especializadas. Los músicos son altamente respetados por muchos de los nombres más grandes del rock y del metal, lo que ha propiciado colaboraciones entre los miembros de Dream Theater y muchos otros músicos bien conocidos. En un famoso ejemplo, Portnoy ha recibido 23 premios de la revista Modern Drummer y John Petrucci fue nombrado el tercer guitarrista en la gira G3 con Steve Vai y Joe Satriani, y su compañero Mike Portnoy fue invitado especial como batería. Petrucci sigue así los pasos de Eric Johnson, Robert Fripp, Yngwie Malmsteen y otros guitarristas influyentes.

Dream Theater también es notable por su versatilidad musical y los muchos géneros diferentes que su propia música incorpora, lo que ha hecho posible para ellos realizar espectáculos con un rango de actos muy diverso. Algunos de sus más notables compañeros de gira incluyen a Deep Purple, Emerson, Lake & Palmer, Iron Maiden, Joe Satriani, King's X, Marillion, Megadeth, In Flames, Pain of Salvation, Porcupine Tree, Queensrÿche, Spock's Beard, Fear Factory, Enchant, Symphony X, y Yes. En el 2005, Dream Theater hizo gira por Estados Unidos con el festival Gigantour, junto a Megadeth.

1985 - 1990

Dream Theater fue formado en septiembre de 1985. La alineación inicial contaba con el guitarrista John Petrucci, el bajista John Myung, el baterista Mike Portnoy, Kevin Moore en los teclados y el vocalista Chris Collins.

El nombre de la banda proviene de un teatro en la ciudad natal de Mike Portnoy llamado así. El padre de Portnoy sugirió bautizar al grupo de esta manera luego de algunos problemas legales con el nombre original del grupo, Majesty.

En noviembre de 1986, después de algunos meses escribiendo y tocando juntos, Chris Collins dejó la banda por diferencias creativas con los otros miembros. Después de un año intentando encontrar un reemplazo, Charlie Dominici, quien era mucho mayor y más experimentado que cualquiera en la banda, superó la audición para entrar en el grupo.

En 1988 Dream Theater firmó su primer contrato de grabación con Mechanic Records, una división de MCA.

En 1989 lanzarían su primer álbum, When Dream and Day Unite, con Charlie Dominici como vocalista. Temas a destacar de este disco son A Fortune In Lies, la instrumental The Ytse Jam y Only a Matter of Time.

1991 - 1994

Dos años más tarde, se unió el vocalista canadiense Kevin James LaBrie quien, para evitar confusión con el teclista Kevin Moore, empezó a utilizar su segundo nombre, James. En 1992 lanzaron su segundo álbum Images and Words, que les catapultó a la fama debido a la gran acogida del público japonés (siempre muy implicado con la banda) y a la emisión en la cadena MTV del videoclip promocional de Pull me Under. Algunos temas destacados en este disco son Pull me Under, Take the Time y Metropolis part 1: The Miracle and the Sleeper. Como curiosidad cabe señalar que en el momento de grabar Metropolis la banda la nombró como "parte 1" a manera de chiste, pero tuvo una gran recepción por parte de los fans, quienes no paraban de preguntar por la segunda parte. Parte que no llegó hasta 1999 con el disco Metropolis part 2: Scenes from a Memory.

En 1993 la banda grabó el directo Live at the Marquee, primer álbum en directo de la banda, grabado en el Marquee club de Londres. Posiblemente el título sea un homenaje a Live at the Marquee de la banda King Crimson.

En 1994 saldría Awake, álbum en el que la banda experimenta con un sonido algo más fuerte con respecto a los anteriores y que es considerado por muchos como uno de los mejores discos de Dream Theater. Muchos fans y parte de la crítica destacan la entrega del vocalista James LaBrie en esta producción. Temas a destacar de este disco son el ciclo A Mind Beside Itself formado por Erotomania, Voices y The Silent Man; Lie , la psicodélica Space-Dye Vest, compuesta por Kevin Moore y "The Mirror" uno de los temas más pesados de la banda. En esta época, Kevin Moore dejaría la banda por diferencias musicales con sus compañeros, y sería sustituido por Derek Sherinian.

1995 - 1998

En 1995 la banda grabaría A Change of Seasons, lanzado en Estados Unidos como EP, con algo menos de una hora de música. Esta grabación contiene una canción original de 23 minutos que la banda por razones comerciales no pudo incluir en Images and Words y algunas canciones versionadas de artistas como Elton John, Deep Purple, Led Zeppelin, Queen, Journey y Pink Floyd.

Algunos cambios sucedieron en EastWest, y el contacto principal de Dream Theater con la disquera fue despedido. Como resultado, la nueva gente en la compañía no estaba totalmente acostumbrada a la relación que Dream Theater tenía previamente con EastWest, y presionaron a la banda para escribir un álbum que fuese accesible a las personas más allá de su base de fans de metal progresivo.

En 1997 se publicaría Falling into Infinity, álbum de tinte más comercial que refleja las presiones a las que la banda estaba siendo sometida por la discográfica, y por la cual la banda estuvo a punto de romperse. Los temas You Not Me y Hollow Years, los que la discográfica deseaba lanzar como sencillos, no lograron fuerte impacto en la radio o en las carteleras. A pesar de todo, el álbum contiene sonidos más progresivos como Hell's Kitchen.

En esta época Mike Portnoy y John Petrucci participaron en el proyecto Liquid Tension Experiment, durante el cual mantuvieron conversaciones con el tecladista Jordan Rudess, a quién lograron convertir en el nuevo tecladista de la banda, aportando su enorme creatividad y estilo propio a la formación.

1999 - 2001



Jordan Rudess

En 1999 la banda lanzó Metropolis, Pt. 2: Scenes From A Memory, disco que fue considerado por la crítica como "una de las obras maestras del rock progresivo" y que según Mike Portnoy es el trabajo del que está "más orgulloso". Es un disco conceptual.

Una gira mundial masiva fue lo siguiente, con más de un año de duración, y presentándose en más países de los que habían visitado jamás.

Los conciertos, que eran mucho más grandes que cualquier cosa que la banda había intentado antes, reflejaban el aspecto teatral del álbum. Interpretaron Scenes From a Memory de principio a fin, con una pantalla de vídeo que la pared de fondo del escenario mostrando un acompañante narrativo de la historia del álbum. Aparte de interpretar el álbum entero, la banda también interpretó un segundo set con otros temas Dream Theater, y algunas nuevas interpretaciones de material más viejo de Dream Theater.

La banda atrajo la atención de los medios con su álbum en vivo Live Scenes From New York (3 CD). Anteriormente, Dream Theater había utilizado en la carátula de Live at the Marquee un corazón en llamas. Para hacer referencia al lugar del concierto, la carátula original utilizaba una manzana con el paisaje neoyorquino, incluido el World Trade Center, en llamas. El álbum fue lanzado el 11 de septiembre de 2001, una escalofriante coincidencia con los tristemente célebres ataques terroristas ocurridos ese día. Las copias que habían salido al mercado tuvieron que ser recogidas para cambiar el diseño, así que la carátula original se volvió un artículo de coleccionistas.

2002 en adelante






En 2002 se lanza Six Degrees of
Inner Turbulence
, disco que marca el comienzo de una nueva etapa en la banda en lo que al aspecto musical se refiere. Este álbum contiene 2 CDs; el primero de ellos con canciones como The Glass Prison, con una línea musical similar a Metallica en ...And Justice For All y Misunderstood, un tema de corte psicodélico. El segundo CD contiene la obra conceptual Six Degrees of Inner Turbulence de 42 minutos de duración que trata acerca de las perturbaciones de la mente humana, tales como la depresión y la locura. Para muchos fans el segundo CD es uno de los más destacados trabajos de la banda.

En 2003 llegó Train of Thought, con un sonido mucho más pesado que el de los trabajos anteriores de la banda, pero sin alejarse de su virtuosismo característico. Temas destacables de este trabajo son This Dying Soul, Endless Sacrifice y el doble tema instrumental formado por Vacant y Stream of Consciousness. Este CD creó una especie de "cisma" entre los seguidores de la banda más "pesados" y los más "progresivos", aunque según palabras de Mike Portnoy el estilo de Dream Theater es una mezcla de ambos componentes.

En 2005 se lanza Octavarium, octavo disco en estudio de la banda, que incluye 8 temas. En él la banda toma un estilo mucho menos instrumental, realzando la composición de las letras. El sonido del disco es bastante "pesado", pero no tanto como Train Of Thought. El estilo de las canciones es bastante variado; desde baladas como The Answer Lies Within hasta canciones con un estilo quizá más cercano al anterior trabajo como Panic Attack. Destaca el recuerdo de la banda a las víctimas del 11 de septiembre con Sacrificed Sons y la fantástica composición de la canción que da título al disco, con 24 minutos de duración.

En 2006 la banda lanza el trabajo en directo SCORE, grabado el 1 de abril de ese mismo año en el Radio City Music Hall de Nueva York. Es un álbum conmemorativo del aniversario número 20 de la banda, editado en formato DVD doble y CD triple. En el concierto la banda compartió tarima por primera vez con una orquesta sinfónica completa para la interpretación de más de 90 minutos de música de Dream Theater.

En 2007 la banda lanza Systematic Chaos el cual contiene variados tipos de tema que van desde sonidos pesados a lo TRAIN OF THOUGHT en "The Dark Eternal Night" hasta metal sinfonico como "The Ministry of the Lost Souls", y por ultimo el tema de larga duracion "In the Presence of the Enemies" divido en 2 partes.


Dream Theater - Home




Dream Theater - The Spirit Carries On



Disco Recomendado:

Dream Theater - Metropolis part 2: Scenes From a Memory (1999)

O los amas o los odias, no hay termino medio. Para muchos, la mejor banda de rock (al menos tecnicamente) del momento. Para muchos otros, una autentica empananada mental en clave de rock, o tostón de dimensiones epicas. La verdad, si no estas familiarizado con su musica, se te pueden hacer insoportables, pero si te cuativan , es para siempre.
El disco que nos ocupa, Metropolis, Pt. 2: Scenes From A Memory, del año 1999, es mi favorito de ellos.
Obra conceptual, narra la historia de Nicholas, quien tiene siempre sueños acerca de una vida pasada. Por medio de un psicoterapeuta, descubre que Victoria, una mujer asesinada hace muchos años envuelta en historias de amores, por ser la disputa entre dos hermanos, se ha reencarnado en él. Intrigas, engaños, final abierto, son los ingredientes del disco.
Supone el debut en la banda del teclista Jordan Rudess, que anteriormente habia colaborado con el bateria Mike Portnoy y el guitarra John Petrucci en su proyecto paralelo Liquid Tension. Y supone, segun el mismo Portnoy, un avance ilimitado en la musica del grupo, así como su disco más progresivo.

Y eso que el disco tiene de todo, desde partes autenticamente thrash metal (Beyond this life), como desarrollos progesivos (Home), baladas con la marca del grupo (Through her eyes,) , elementos gospel (The spirit carries on), pasajes de autentico serial de intriga (Fatal Tragedy); de todo puedes encontrar en el album. Y desde luego esas partes de autentica disputa musical entre los musicos, que creo que son el sello de Dream Theater; esos temas, o partes de ellos, que son un pulso entre los miembros de la banda para llevar hasta el más alla las posibilidades técnicas y compositivas de cada uno. No se, siempre pienso en problemas matemáticos cuando intento analizar determinadas piezas de su musica. Lo gracioso es que nunca me han gustado las matemáticas. Al que los acuse de frío virtuosismo, que escuche "Scene seven: the dance of eternity" y acto seguido "One last time", el siguiente tema, para ver como se combina el progresivo con el rock melódico sin el menor problema.
Nada más ese "gran finale", con esa maravilla que es " The Spirit Carries On", con coros Gospel, y "Finally Free", el cierre del album, hacen que merezca la pena el disco entero.

Posteriormente, han sacado 3 discos mas en estudio. Todos me encantan, pero este es el que mejor valoro en su totalidad, globalmente como album. No se si ellos lo considerarán su cima compositiva, seguramente no, pero desde luego se pusieron el listón muy alto.
Ah, por cierto, posteriormente sacaron un dvd en el que interpretan el disco entero, que es una autentica gozada. Resulta increíble ver como plasman en una actuacíon cada momento, cada nota del disco, dotándole en momentos determinados , de mayor profundidad y complejidad.

Tracklist:

1. Regression - (scene one)
2. Overture 1928 - (scene two)
3. Strange Deja Vu - (scene two)
4. Through My Words - (scene three)
5. Fatal Tragedy - (scene three)
6. Beyond This Life - (scene four)
7. Through Her Eyes - (scene five)
8. Home - (scene six)
9. Dance Of Eternity, The - (scene seven)
10. One Last Time - (scene seven)
11. Spirit Carries On, The - (scene eight)
12. Finally Free - (scene nine)

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Soundgarden fue una banda de rock procedente de Seattle, mentora del estilo que seria denominado posteriormente "Grunge". Sus acordes Heavy-Metaleros y sus letras hacian recordar la decada dorada del rock. Soundgarden como grupo pavimentó el camino a bandas emergentes en ese entonces como a Nirvana, Pearl Jam y Alice In Chains. La Influencia de bandas legendarias como Black Sabbath, Led Zeppelin, AC/DC, o de bandas tan Punk como The Stooges, hicieron que este grupo abriera un sitial de importancia en la musica. La innegable hermandad con bandas de la talla de Sepultura o Faith No More ya es de notarse durante finales de la decada del 80. Se les suele considerar como una de las bandas mas destacadas en la historia del rock.

La banda fue formada en 1984 por Chris Cornell e Hiro Yamamoto, ocupándose Chris de la batería al mismo tiempo que era vocalista, mientras que Yamamoto se encargaría del bajo. Más tarde se uniría al grupo Kim Thayil como guitarrista. Éste se había trasladado a Seattle desde Illinois con Yamamoto y Bruce Pavitt, quien fuera más tarde co-fundador del sello discográfico Sub Pop. La banda obtuvo su nombre a partir de una instalación artística conocida como The Sound Garden, ubicada al aire libre y que producía sonidos espeluznantes cuando el viento atravesaba unos tubos de metal de la misma. Esta obra artística es propiedad de la NOAA, con sede cercana al parque Magnuson de Seattle.

Al comienzo, Cornell tocaba la batería mientras cantaba, hecho que propició la introducción en la banda de Scott Sundquist para liberarle de la misma y permitirle concentrarse en la parte vocal. El grupo grabó dos canciones que aparecieron en una compilación llamada Deep Six, para el sello discográfico C/Z Records, que también incluía canciones de los grupos Green River, Skin Yard y The Melvins.

En 1986 Sundquist abandonó la banda y fue reemplazado por Matt Cameron, el cual había sido batería en Skin Yard. La banda firmó con Sub Pop, publicando el EP Screaming Life en 1987 y el EP Fopp en 1988. En 1990 se lanzó una compilación que reunía ambos titulada Screaming Life/Fopp.

A pesar de que Soundgarden estaba siendo pretendido por las discográficas más importantes del panorama musical firmaron en 1988 con SST Records, sello en el que sacarían su álbum de debut, Ultramega OK, por el que ganaron una nominación a un Grammy. En 1989 la banda sacó su primer álbum con una multinacional: Louder Than Love, lanzado a través del sello A&M Records. Después de sacar este disco Yamamoto abandonó la banda para regresar a sus estudios universitarios, siendo reemplazado rápidamente por Jason Everman, guitarrista por aquel entonces en Nirvana. Everman aparecería solamente en el vídeo Louder than Live, ya que más tarde sería reemplazado por Ben Shepherd, quien se convertiría en el bajista permanente de la banda.

La nueva formación grabó Badmotorfinger en 1991. Aunque se trató de un disco muy exitoso, fue relegado a un segundo plano debido a la repentina popularidad del Nevermind de Nirvana. Al mismo tiempo, la atención traída por Nevermind a las bandas del movimiento musical de Seattle, brindó a Soundgarden una mayor atención, haciendo que las canciones "Outshined" y "Rusty Cage", extraídas del álbum Badmotorfinger, encontraran hueco en emisoras de radio alternativas y en la propia MTV. La banda se fue de gira con Guns 'n' Roses como respaldo del álbum sacado y más tarde realizaría el vídeo Motorvision, que sería filmado en la propia gira. Soundgarden también hizo acto de presencia en el festival de 1992 conocido como Lollapalooza, tocando con Red Hot Chili Peppers, Pearl Jam, Ministry, además de otros.

La banda apareció en la película Singles tocando Birth Ritual, canción que aparecería en la banda sonora original de la película, además de una canción con Cornell como único interprete, titulada "Seasons". En la película también figuró un fragmento de la versión demo de "Spoonman", canción que aparecería en Superunknown, en 1994.

Superunknown marcó un punto de ruptura en la banda, conteniendo los sencillos "Black Hole Sun", "Spoonman", "The Day I Tried to Live" y "Fell on Black Days". Las canciones contenidas en Superunknown capturaban la creatividad de sus primeros trabajos, mientras que exhibía los aspectos más comerciales del grupo. En cuanto a las letras de las canciones, el álbum fue bastante oscuro y misterioso, ya que la mayoría de las canciones trataban acerca del abuso de substancias, suicidio y depresión. Muchas canciones tenían un toque indio o del medio-oriente, como "Fell on Black Days" y "Half", en esta última con el bajista Ben Shepard figurando como cantante.

El último disco de Soundgarden fue producido por ellos mismos en 1996 y se llamó Down on the Upside. Fue notablemente menos heavy que los discos anteriores. El álbum engendró numerosos singles, incluyendo "Pretty Noose", "Blow Up the Outside World" y "Burden in my Hand". La banda explicó que querían diversificarse y explorar otros sonidos. Sin embargo, se dieron tensiones dentro del grupo durante las sesiones de grabación. Como resultado, Chris Cornell terminó tocando muchos de los solos de guitarra que aparecerían en el mismo. Debido a fuertes críticas, el disco no alcanzó las ventas de su predecesor.

Las tensiones continuaron creciendo durante la gira realizada con motivo de éste último disco. En la parada final de la gira, la cual tuvo lugar en Honululu, Hawaii, en febrero de 1997, Shepherd lanzó su bajo al aire ante la frustración provocada por los fallos constantes que sufría el equipo instrumental, cayendo en consecuencia estruendosamente en el escenario. La banda se retiró y Cornell regresó para concluir el concierto con un bis de solo de guitarra. El 9 de abril de 1997 la banda anunció su separación. El último lanzamiento de Soundgarden, un recopilatorio de grandes éxitos titulado A-Sides, certificó la ruptura final.

Cornell trabajó en un álbum individual titulado Euphoria Morning y después formaría el grupo Audioslave con antiguos miembros de Rage Against the Machine. Cameron dedicó sus esfuerzos a otra banda en la que estaba involucrado: Wellwater Conspiracy y más tarde fue de gira con Pearl Jam en 1998 con motivo del lanzamiento del disco Yield, uniéndoseles como un miembro permanente. Thayil unió fuerzas con el ex-vocalista de Dead Kennedys, Jello Biafra, el bajista de Nirvana, Krist Novoselic y el baterista Gina Mainwal para un único concierto, realizado como el grupo The No WTO Combo durante la conferencia ministerial de la WTO que tuvo lugar en Seattle el 1 de diciembre de 1999. Posteriormente Thayil contribuyó como guitarrista en el disco 999 Levels of Undo de Steve Fisk sacado en el 2001 y en el proyecto paralelo de Dave Grohl llamado Probot, el cual vio la luz en el año 2004. Shepherd fue de gira con Mark Lanegan y sacó el bastante esperado y retrasado segundo disco del grupo Hater en el 2005, mientras aparecía ocasionalmente en discos de Wellwater Conspiracy.


Soundgarden - Rusty Cage


Soundgarden - Jesus Christ Pose



Disco Recomendado:

Soundgarden - Badmotorfinger (1991)

Badmotorfinger es uno de los discos clave para entender la evolucion del rock a principios de la decada de los 90, junto a trabajos de Jane´s Addiction, Red Hot CHili Peppers o Faith No more. Todos estos grupos se alejan del rock Angelino que tanto prolifera en esos momentos, sobre todo gracias al exito de los Guns, y profundizan en distintos sonidos, ya sean previos o por reivindicar. Soundgarden, despues de mini Lps y un primer disco, rockeros y a la vez con toques de psicodelia, se bañan en el mundo de Ozzy y su banda, dandole una vuelta de tuerca y extramando su sonido.
Abre "Rusty Cage", convirtiendose en unos de los riffs mas significativos de la decada, y mostrando a Cornell como una autentica bestia en lo que a registros se refiere. El legado Sabbath se palpa en su parte intermedia, con esos riffs inquietantes y pesados tan Iommy, lo que queda mas en evidencia en "Outshined", tema contundente y marcado, con una gran labor en la voz, y un estribillo memorable. Se dejan entrever ciertos juegos de la base ritmica con las guitarras que desarrollarán exhaustivamente en su discografía. "Slaves & Bulldozers", es un jodido martillo; lento, duro, y amenazador. Cornell se enfrasca en unos tonos dañinos, como el tiempo demostraría, para su propia voz. Todo lo contrario respecto a ritmo es "Jesus Christ Pose", un frenetico tema cuyo video fue criticado ferozmente por lo explicito de sus crucificciones.. Sobresaliente la base ritmica, y de nuevo asombrosa la capacidad vocal del futuro cantante de Audioslave. Me encanta sobretodo el cambio del riff principal casi al final de la cancion. Frenética es "Face Pollution", con la banda mostrandose capaz de abordar sin complejos los ritmos mas rápidos y agresivos, y los juegos mas "Zappa" en cuanto a juegos instrumentales.
"Somewhere" recupera los tiempos mas psicodelicos de "Louder than Love", rebajando la carga de distorsion, y aumentando los guiños hacia el universo zeppeliano. Lo mejor del disco, para mi gusto, la siguiente "Searching with a good eye closed", el tema que mas me gustaria destripar en un karaoke rock. Para el recuerdo,la vez que lo vi en directo bajo el caluroso cielo de Sevilla, junto a Guns n’ Roses y Faith no more. Ahí es nada. "Room a thousand years wide" se muestra uno de los temas mas clasicos en cuanto a estructura, por lo basico de su riff, pero siempre jugando con contratiempos y giros ritmicos. Gran tema tambien, y curiosa la inclusion de un saxo por el final. "Mind riot" aporta un tono mas melódico, sobre todo al principio, y sigue mostrando a Chris Cornell vociferando como si le fuera la vida en ello, para volver de nuevo a la agresividad con "Drawing Flies", tema corto y de nuevo salpicado de instrumentos de viento, que le otorgan a la cancion un aire mas loco y desasogante. "Holy Water" contiene un claro ejemplo de riff made in Soundgarden, y un estribillo que me encanta. Además, Thayil nos ofrece ramalazos de solos de guitarra a la vieja usanza. "New Damage" te golpea con un grito, y cierra el disco como empezó, con riffs ultrapesados, bases machaconas, y un Cornell desatado. Tal vez la mas floja del disco.



Tracklist:

01. Rusty Cage
02. Outshined
03. Slaves & Bulldozers
04. Jesus Christ Pose
05. Face Pollution
06. Somewhere
07. Searching With My Good Eye Closed
08. Room A Thousand Years Wide
09. Mind Riot
10. Drawing Flies
11. Holy Water
12. New Damage

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Fear Factory se formó en 1988 en Los Ángeles bajo el nombre de "Ulceration", de la mano de Raymond Herrera y Dino Cazares. Dino Cazares y Raymond Herrera compusieron la primera canción de Fear Factory, llamada "Sufferage", una noche de Halloween que pasaron juntos. A finales de 1989 entró en el grupo Burton C. Bell y el nombre fue cambiado por el de Fear Factory. Como curiosidad "Ulceration" es también el nombre de uno de los temas de su primer álbum Concrete.

Fear Factory es una de las mayores influencias de la música extrema, tanto por su técnica como por su sonido tan original e independiente que creó un estilo propio. Fue la primera banda que incorporó voces limpias en una banda de Death Metal. Comenzaron su trayectoria musical como una banda de Death Metal con los discos Concrete y Soul Of A New Machine, pero con grandes influencias de grupos como Napalm Death, Godflesh, Ministry, Neurosis y otras bandas industriales y Grindcore/Death Metal. Después, pasaron a Industrial/Death Metal con Demanufacture, y posteriormente a Industrial Metal con el disco Obsolete.
El inicio de su carrera profesional tuvo como punto de partida una recomendación de Max Cavalera, de Sepultura, a la discográfica Roadrunner Records, gracias a su álbum "Concrete". Previamente Fear Factory había enviado su material a Earache Records, que los rechazaron por parecerse demasiado a Napalm Death o a Godflesh.
Con Roadrunner editaron el álbum Soul of a new machine en 1992. Este disco no tuvo mucho éxito pero les brindó la oportunidad de hacer una gira por todo Estados Unidos con otras bandas como Sepultura, Biohazard y Sick of it all. Incluso viajaron a Europa de la mano de Brutal Truth. Para las giras contrataron a Andrew Shives como bajista, encargándose Dino Cazares de la guitarra a pesar de haber grabado el bajo para el disco.

Tras el despido de Andrew Shives en 1994, encontraron a Christian Olde Wolbers a través del cantante/guitarrista Evan Seinfeld de Biohazard. Christian estaba en ese momento de vacaciones en Los Ángeles, ya que él vivía en Bélgica, pero accedió a unirse al grupo para la grabación de su siguiente disco.

En 1995 saltaron a la fama de la mano del álbum Demanufacture consiguiendo el apoyo unánime de la crítica y el público. El éxito los llevo a una gran gira durante los 2 siguientes años y les abrió las puertas de grandes festivales internacionales, como por ejemplo Ozzfest, en los que compartieron escenario con grandes grupos como Black Sabbath, Iron Maiden y Megadeth.
Con la edición del disco Obsolete, en 1998, volvieron a repetir éxito y acto seguido comenzaron nuevas giras con bandas como Slayer y Rammstein. En 2001 ve la luz su siguiente álbum Digimortal que fue bastante criticado debido a las similitudes del mismo con el estilo Nu metal, alejándose en cierta manera de la agresividad de sus anteriores trabajos y acarreando tensiones entre miembros del grupo.

En marzo de 2002, el grupo se disolvió por problemas internos entre Dino Cazares y Burton C. Bell. A finales de ese año se anunció el regreso de la banda sin Dino Cazares, con lo que la formación cambió pasando Christian Olde Wolbers a guitarra, para dar espacio al nuevo bajista, procedente de Strapping Young Lad, Byron Stroud. El baterista Raymond Herrera y el vocalista Burton C. Bell mantuvieron sus posiciones.

A comienzos de 2004 se conoció que el grupo estaba trabajando en un nuevo disco bajo la discográfica Liquid 8 records. En abril lanzaron Archetype, considerado uno de los mejores álbumes de su carrera, y que los devuelve a su estilo Industrial/Death Metal.

Este trabajo tuvo un moderado éxito que les permitió enderezar su trayectoria y les dio confianza para lanzar un segundo disco en agosto de 2005. Éste fue titulado Transgression y supuso un paso adelante en la evolución del sonido de Fear Factory tomando elementos mas melódicos pero intentando mantener la fuerza que los caracterizaba.


Fear Factory - Archetype




Disco Recomendado:

Fear Factory - Archetype (2004)

fear factory : archetype
Partamos de la base de que Fear Factory estaban disueltos. Por un periodo de tiempo tan breve que no nos dimos ni cuenta gracias a ediciones como Hatefiles (rarezas) y Concrete (su disco de debut, inédito en su época) pero separados al fin y al cabo. Al parecer todo fue parte de una estrategia para deshacerse de Dino Cazares con quién Burton C. Bell ya no hacía muy buenas migas. Así pues excluyendo al orondo guitarrista, Fear Factory se reunieron reclutando a Byron Stroud (ex-Strapping Young Lad) como bajista y pasando Christian Olde Wolvers a la guitarra calcando, por otra parte, las estructuras de Dino.

Prácticamente nadie discutirá que Archetype supone un levantamiento de cabeza tras un algo flojo Digimortal. En mi opinión lo más importante es que demuestra que Dino Cazares no era un pilar fundamental en la banda. Pero aún con todo, pasan los años y vemos que la fórmula Fear Factory no da más de si o no se deciden a explorar nuevos territorios, ya que desde Demanufacture todo han sido pequeños hermanos clonados con mayor o menor acierto de aquel. Lo nuevo de los angelinos se salva por su arrojo, por su cierta voluntad de recuperar un glorioso pasado y sobre todo por un Raymond Herrera absolutamente inigualable que se supera día a día, el cual, de esto sí que estamos seguros, es el auténtico alma de la máquina.



Tracklist:

  1. Slave Labor
  2. Cyberwaste
  3. Act Of God
  4. Drones
  5. Archetype
  6. Corporate Cloning
  7. Bite The Hand That Bleeds
  8. Undercurrent
  9. Default Judgement
  10. Bonescraper
  11. Human Shields
  12. Ascension
  13. School


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Wednesday, August 22, 2007


GUNS N ROSES

Más que sus bailes como serpentina y pañuelos en la cabeza, la mejor representación de Axl Rose es ese grito que se escucha en el comienzo de “Welcome to the Jungle” (Bienvenidos a la Selva). En ese pequeño momento en el comienzo de “Apetite For Destruction”, Axl grita de forma cruda. En ese grito esta la rabia, la ambición, la frustración y el exceso que fue Guns N Roses.
La historia de Axl comienza mucho antes que llegó a la selva del oeste de Hollywood. Nació con el nombre Bill Bailey en la ciudad de Lafayette, ID en 1962 de familia estrictamente pentecostal, tan estrictos que cuando de chico cantaba “Mandy” de Barry Manilow, fue dicho que ese tipo de música era “satánica”. Con 17 años, Bill se enteró que su verdadero padre era un solitario llamado William Rose. Pronto, Bill se estaba haciendo llamar W. Axl Rose.
En Lafayette, Axl se hizo bien famoso, por lo menos en la estación de policía. Fue llevado a la cárcel por lo menos 20 veces por ofensas desde por beber como menor de edad hasta por invasión de propiedad. Escapándose de la ciudad que comparaba con Auschwitz, Axl se fue para Los Angeles en 1980. En la ciudad de glam y pantalones de cuero, había solo una cosa que un joven del centro de Estados Unidos podía hacer: formar un grupo.
Rose conoció al guitarrista Izzy Stradlin, también de Indiana y junto al guitarrista Tracii Guns y el baterista Rob Garner formaron un cuarteto que tenía tantos nombres como trabajos. Comenzaron como A-X-L, luego como los Hollywood Roses y finalmente como L.A. Guns. Axl y Stradlin pronto fueron por diferentes caminos Garner y Guns, quienes siguieron como los L.A. Guns por varios moderadamente exitosos álbumes de rock metálico.
El guitarrista nacido en Inglaterra Saul “Slash” Hudson y el baterista Steven Adler estaban tocando en la banda Road Crew cuando se unieron a lo que hoy es conocido como Guns N’ Roses. En 1985 convencieron al bajista Michael “Duff” McKagan, un graduado de la escena punk de la ciudad de Seattle, para que se les una. Sin dinero, la banda compartió un departamento de un ambiente, que con su decadente reputación se ganó el apodo: La Casa del Diablo.
Mientras la mayoría de los Estados Unidos explotaba su rock de pelo largo a través de las bandas alrededor de Quiet Riot, Guns N’ Roses lentamente estaba haciendo de su nombre en las penumbras. Era borracho, feo y a veces peligroso. En 1986, la banda lanzó un álbum de cuatro piezas en vivo llamado “Live?!*@ Like A Suicide”, en su propia empresa discográfica llamada Uzi Suicide. La tarjeta de presentación los llevó al éxito más allá de la calle Sunset en Los Angeles. El grupo firmó con la empresa Geffen en Marzo de 1986. En 1987, Guns N’ Roses lanzó “Appetite for Destruction”, el cual no se vendió exitosamente a través de casi un año. Pero G N’ R se mantuvo ocupado, tocando como acto de apertura para Aerosmith y Alice Cooper, casi sobrepasándolos en espectáculo todas las noches. Luego MTV puso a “Sweet Child O’ Mine” en su rotación. Mientras Axl soñaba con “ojos del cielo más azul” en la letra de la exitosa balada, no todo del álbum “Appetite” era tan dulce. “Mr. Brownstone” era un traficante de heroína y “Nightrain” celebraba el licor barato que ayudó a la hasta entonces poco exitosa banda pasar las noches.
Al final de 1988, la banda lanzó “G N’ R Lies” el cual combinaba el primer lanzamiento con nuevas canciones acústicas. A pesar de lo lindo de “Patience”, el nuevo material del grupo los generalizó como odia mujeres (“Used To Love Her”) y racistas (“One In A Million”.) Axl alegó que “Million” era sobre las primeras impresiones de un joven que llega a Los Angeles por primera vez, pero ya era tarde. Rose luego fue diagnosticado con depresión maníaca y perduró por sesiones de terapia de cinco horas para poder vivir con su enfado.
En 1990, la banda echó al baterista Adler por su uso de drogas y Matt Sorum dejó a la banda The Cult para unírseles. El tecladista Dizzy Reed también se les unió. Adler les hizo juicio por la forma en que lo dejaron ir, alegando que los miembros de la banda fueron quienes comenzaron su uso de drogas fuertes. Arregló fuera de corte por $2.5 millones de dólares.
Mientras el furor del público después de “Lies” estaba desvaneciendo, G N’ R canalizaron su energía a la producción de material nuevo. Cuando Axl decidió que tenía cuatro nuevas canciones para meter a último momento, dos de ellas que duraban por lo menos ocho minutos, el grupo decidió lanzar dos álbumes juntos, “Use Your Illusion I” y “Use Your Illusion II”. Juntos, los álbumes mostraron la grandeza de la ambición del grupo y la profundidad de su talento artístico, sorprendiendo con baladas tipo Elton John como “November Rain”.
Las cosas comenzaron a deteriorarse en el final de 1991, cuando Stradlin dejó la banda. “The Spaghetti Incident?” que se lanzó luego en el ’93 era una colección de interpretaciones de música punk que sonaba más como simples obligaciones contractuales. Para 1994, rumores que la banda se estaba por separar ya daban vuelta y Slash dejó la banda para seguir con su otro proyecto, Snakepit. Y luego…? Nada hasta 1999 y ahí fue solo un álbum de piezas en vivo, a pesar de que “Live Era 87-93” era un potente recuerdo de la plena gloria de G N’ R. En algún lado en Los Angeles, Axl Rose planeó más gloria. Todavía tocando bajo el nombre de Guns N’ Roses con una gama de músicos rotativos (el tecladista Dizzy Reed era el único que quedaba de la banda original), le dijo a Kurt Loder de MTV que estaba perfeccionando un nuevo álbum.
“Oh My God” en el álbum de la película “End of Days” fue un pequeño vistazo a lo que podemos esperar del mítico álbum, por ahora llamado “Chinese Democracy”. El grito de Axl es tan poderoso como lo fue antes. Solo que ahora esta filtrado por el rock industrial que siguió después del éxito de la banda durante los años ’90.
El tiempo todavía no ha dictado como la banda será en el nuevo milenio, pero sin dudas la banda cambió el rock para siempre. Su acercamiento a la historia y habilidad de tocar tan fuerte como sus héroes hizo que hasta Poison deje sus secadores de pelo. Sin importar lo desordenado que se volvieron, G N’ R, fueron, y todavía son, imposibles de ignorar. Son todavía las bestias de la jungla.


Guns N Roses - Welcome To The Jungle




Guns N Roses - Sweet Child ´O Mine




Guns N Roses - Paradise City





Influencias:

AC/DC

Con sólo una vez que escuches el grito de Brian Johnson en “Hells Bells” y en “Back in Black” escucharás a la base de los llantos de Axl en “Nightrain”.

JIM MORRISON

Mientras G N’ R nunca imitó al estilo de blues de los Doors, Axl Rose ciertamente ha aprendido un par de lecciones del Lizard King. Rose hasta confesó haber visto la película “The Doors” de Oliver Stone varias veces y eso, sin duda, tiene mucho mérito.

THE ROLLING STONES

“Seguimos aprendiendo más y más de ellos; sobre el concepto que uno puede hacer lo que quiere con su música,” dijo Axl. Pero mientras G N’ R memorablemente tocó con la banda en el tour Steel Wheels, sobrepasaron al grupo al tener toda una banda de personajes como Keith Richards.

SPINAL TAP

Nunca pensamos que la vida real podía compararse a estas estrellas de rock ficticias quienes tenían sus amplificadores siempre en el nivel “11”. Nos equivocamos. La locura de los Guns puede ser hasta más exagerada que el poderoso Tap. Todos los dichos del rock vienen a la mente: el sexo, las modelos, la cárcel, las peleas entre ellos, el whisky, las drogas y detrás de todo, los egos estirados al punto de ruptura.



Disco Recomendado:

Guns N Roses - Appetite For Destruction (1987)

El disco debut de Guns N' Roses "Appetite for Destruction" fue toda una revolución para el hard rock de finales de los 80', era un disco sucio, peligroso y corrosivo lanzado en un periodo no muy bueno para el género. Superficialmente, Guns N' Roses pueden parecer un grupo que no proclamaba nada nuevo, sexo, alcohol, drogas, y rock & roll, pero hay cierto aroma desagradable en sus canciones, en gran parte debido a que Axl Rose no encuentra demasiada diversión en el entorno urbano de Los Ángeles y en sus ambientes llenos de heavy metal, mujeres baratas, bebida y crimen.

La música es tan corrosiva como las letras, galopando entre el blues y el hard rock al más puro estilo Aerosmith o AC/DC, emulando a innumerables bandas de comienzos de los 80'. Pero estos fueron los sonidos con los que crecieron Guns N' Roses y en los que se inspiran a la hora de realizar sus composiciones. Y es exactamente toda esta casuística la que convierte a "Appetite for Destruction" en uno de los discos más potentes de la década.


Guns N Roses - Appetite For Destruction (1987)

Tracklist:

1. Welcome to the Jungle 4:32
2. It's So Easy 3:21
3. Nightrain 4:26
4. Out Ta Get Me 4:20
5. Mr. Brownstone 3:46
6. Paradise City 6:45
7. My Michelle 3:38
8. Think About You 3:49
9. Sweet Child O' Mine 5:54
10. You're Crazy 3:16
11. Anything Goes 3:25
12. Rocket Queen 6:14

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Jinete Azul

Blaue Reiter es el grupo y está integrado por Edgardo Povez (guitarra), Jorge Alcojor (bajo), Agustín Almaraz (batería) y Germán Bertolani (teclados).
Basados en los postulados del famoso y recordado grupo alemán, los mendocinos intentarán llevar ese concepto aplicado en la plástica a la faceta musical. “Estamos trabajando desde hace un tiempo largo en este proyecto y sentimos que ya estamos listos para salir a mostrar nuestra propuesta, que es totalmente instrumental y que tiene algunos momentos de improvisación” adelantó Povez con respecto al disco en vivo.

Influencias:

Jazz Fusion/ Rock Fusion

Más que un estilo musical codificado, la fusión se puede ver como una tradición o acercamiento musical. Una cierta música progresiva del rock también se suele considerar como Fusion.

La música de la Fusion es típicamente instrumental (es decir, sin voz), aunque algunos subestilos contienen partes vocales; a menudo contiene formas complejas de tempo , métrica y patrones rítmicos , con longitudes extendidas de la pista, ofreciendo improvisaciones muy largas. Los músicos del Fusion son reconocidos por tener un alto nivel de virtuosisimo, combinado con composiciones complejas e improvisación musical en los metros, vistos raramente en otras formas musicales occidentales, salvo en el Jazz.


Jinete Azul




Disco Recomendado:

Jinete Azul - Jinete Azul en Vivo (2006)

Tracklist:

1- El Origen Del Sol (4:03)
2- Lluvia (3:56)
3- Las Lagrimas Del Toro (4:20)
4- Levedad (4:59)
5- Suono Staiti (3:42)
6- Papita Pal Loro (3:19)
7- King of Pain (Police Cover) (4:23)
8- Huerfano (5:02)
9- Blaue Reiter (4:52)
10- Levedad (5:57)
11- Si el Diablo Me Invitara Una Cerveza (4:40)

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Tuesday, August 21, 2007



Paul Gilbert es un virtuoso guitarrista estadounidense. Nacido el 6 de noviembre de 1966 en Carbondale, Illinois. Comenzó a tocar la guitarra a los 5 años, y a los 15 apareció en la revista Guitar Player junto a Yngwie Malmsteen. En 1984 se mudó a Los Ángeles para ir a estudiar al GIT (Guitar Institute of Technology), volviéndose instructor al año.

Sus influencias van desde Eddie Van Halen e Yngwie Malmsteen hasta otras no tan comunes para un guitarrista de este estilo, como The Beatles, The Beach Boys y The Ramones.

Es considerado uno de los guitarristas más rápidos del mundo, por ello salió elegido dentro de los diez primeros en una encuesta de la revista Guitar One. No sólo se destaca por su habilidad en la guitarra eléctrica, sino que también ejecuta con la guitarra acústica aun gran nivel, como demuestra en sus discos Acoustic Samurai y Gilbert Hotel.

Ha impartido algunos talleres en video, como Intense Rock - Sequences & Techniques, Intense Rock II, Guitars from Mars, Guitars from Mars II y Terryfying Guitar Trip, donde demuestra sus habilidades como guitarrista y como instructor, enseñando a tocar la guitarra con muy buen sentido del humor.

A pesar de que muchos creen que él es Buckethead, éste fue un alumno de Paul Gilbert durante casi un año, de allí viene su parecido en la ejecución del instrumento.

Fue miembro y fundador de Racer X y Mr. Big. En 1996 dejó el grupo Mr. Big (siendo reemplazado por Richie Kotzen) y comenzó su carrera solista. Usa guitarras Ibanez y tiene varios modelos propios, como la PGM-301 . Hoy en día ya no usa guitarras con puente flotante, porque prefiere el sonido del puente rígido y el vibrato natural.

Participó en Amazing Journey: A tribute to The Who, una serie de tres conciertos homenaje a la banda The Who, junto a Billy Sheehan, Gary Cherone y Mike Portnoy.

Recientemente ha participado en el famoso concierto G3 junto a John Petrucci y Joe Satriani, donde presentó canciones de su disco "Get Out Of my Yard".


Paul Gilbert - The Curse Of Castle Dragon




Paul Gilbert - Hurry Up





Disco Recomendado:

Paul Gilbert - Get Out Of My Yard (2006)

"A modo de conclusión cualquier amante de la guitarra y en si cualquier amante de la buena música debería tener este disco, no tanto porque sea de un virtuoso, sino mas bien por la dinámica con que esta hecho y más que nada por los diferentes estilos que Paul Gilbert incluye en las composiciones, en fin una álbum sencillamente genial."

Para gaston



Paul Gilbert - Get Out Of My Yard (2006)

Tracklist:

01 - Get Out Of My Yard
02 - Hurry Up
03 - The Curse Of Castle Dragon
04 - Radiator
05 - Straight Through The Telephone Pole
06 - Marine Layer
07 - Twelve Twelve
08 - Rusty Old Boat
09 - The Echo Song
10 - Full Tank
11 - My Teeth Are A Drum Set
12 - Haydn Symphony No.88 Finale
13 - Three E's For Edward
14 - You Kids

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Monday, August 20, 2007


OZZY OSBOURNE

John Osbourne nació el 3 de diciembre de 1948 en Aston, Birmingham (Inglaterra). El independiente y notorio cantante y compositor se marchó de Black Sabbath en enero de 1979, la banda cuya imagen y dirección musical había colaborado a forjar. Formó su propia banda con Lee Kerslake, anteriormente de Uriah Heep, a la batería, Bob Daisley (bajo) de Rainbow y Randy Rhoads (Randall William Rodees, nacido el 6 de diciembre de 1956 en Santa Mónica, California, EE UU, y fallecido el 19 de marzo de 1982), procedente de Quiet Riot, a la guitarra. La capacidad innovadora de Rhoads a la guitarra quedó patente en el debut, Blizzard of Ozz. Al llegar el segundo álbum, Daisley y Kerslake se habían marchado para ser reemplazados por el batería de Pat Travers, Tommy Aldridge y Rudy Sarzo (bajo). Durante su trayectoria después de abandonar Black Sabbath, Osbourne ha atraído la atención de los medios de comunicación. El episodio más notorio fue en 1982, cuando tuvo que someterse a un tratamiento antirrábico tras arrancarle la cabeza a un muricélago de un mordico encima del escenario. Durante el mismo año, su joven guitarrista de enorme talento, Rhoads, fallecía en un accidente de aviación. Entró Brad Gillis en su lugar, pero la relación personal y musical de Rhoads con Osbourne era tan estrecha que muchos temieron que nunca se le podría sustituir.
Talk Of The Devil se editó a finales de 1982, fue un disco en directo que incorporó canciones de Sabbath. Tras la gira de la que Gillis y Sarzo se marcharon, Osbourne se vio obligado a replantearse la formación de su banda, y en 1983 volvió a engancharse Daisley, junto con el guitarrista Jake E. Lee. Aldridge abandonó tras la publicación de Bark At The Moon, y fue sustituido por el conocido virtuoso de la batería Carmine Appice (nacido el 15 de diciembre de 1946 en Staten Island, Nueva York, EE UU). Pero esta alineación fue breve y Randy Castillo entró en lugar de Appice y Phil Soussan para tocar el bajo. Daisley tocó en No Rest For The Wicked, pero fue al antiguo bajista de Sabbath, Geezer Butler, el que apareció en la gira posterior. En este álbum también apareció el joven guitarrista y compositor Zakk Wylde (nacido en Jersey City, Nueva Jersey, EE UU), que pasaría a ser una pieza clave de la banda de Osbourne durante los próximos siete años. El final de la década de los 80 fue un período difícil para Osbourne. Fue juzgado en Estados Unidos por presuntamente emplear la letra de sus canciones para incitar a los jóvenes al suicidio; fue finalmente absuelto. Su esposa, Sharon (hija de Don Arden), se convirtió en su manager y ayudó a Osbourne a superar el alcoholismo que motivó una gran parte de sus trabajos. Pero sus letras siguieron explorando las temáticas más oscuras, entre ellas la de la agonía de la locura.
Durante los últimos años, Osbourne se ha ceñido a temas más contemporáneos, alejando de cierta manera la imagen satánica y de hombre-lobo que construyó en torno a sí a principios de los 80. En marzo de 1989 logró su primer éxito del Top 10 en Estados Unidos con un dúo con Lita Ford llamado "Close My Eyes Forever". En 1992 emprendió una gira de despedida, pero se rompió cuatro huesos del pie, lo cual atenuó gravemente su presencia en el escenario. También hizo un donativo de 20.000 dólares a la campaña de las Hijas de la República de Tejas para restaurar el Alamo, y tocó su primer concierto en la localidad de San Antonio desde habérsele prohibido la entrada a dicha ciudad por orinar sobre el citado monumento en 1982. Era de esperar que ni la retirada ni la expiación le sentaran muy bien, y a finales de 1994 anunció la próxima publicación de un nuevo disco en solitario, grabado conjuntamente con Steve Vai. También se unió a Therapy? como voz principal en el tema "Iron Man" en el disco homenaje a Black Sabbath, Black Nativity. Mucho más rara fue la pareja que formó con Miss Peggy de los Teleñecos para cantar "Born To Be Wild" en un extraño álbum de recopilación de los Teleñecos. También admitió que su pareja original en la canción "Shake Your Head" que produjo Don Was en 1992 y cantó con la actriz Kim Basinger, fue Madonna, aunque nunca lo había llegado a reconocer. Otros emparejamientos inusuales fueron los formados con el humorista escocés Billy Connolly y con el famoso boxeador británico Frank Bruno, con el que cantó "Urpney Song", compuesta por Mike Batt para la serie de dibujos animados Dreamstone. Se podría decir que Ozzmosis (1995) fue su mejor álbum hasta la fecha, y lo cierto es que fue un gran éxito. La alineación el álbum fue Geezer Butler (bajo), Rick Wakeman (teclados), Wylde (guitarra) y Deen Castronovo (batería). Osbourne es un rockero de los duros que ha probado de todos los excesos conocidos y por conocer y vive para contarlo. Increíblemente, sus trabajos siguen vibrando con inspiración.
En el 2002 regresó a la actualidad gracias a la participación en la serie de MTV The Osbournes.



Ozzy Osbourne - Gets Me Through





Ozzy Osbourne - Dreamer





Disco Recomendado:

Ozzy Osbourne - Down To Earth (2001)

¿Está madurando Ozzy? Sí, pero POSITIVAMENTE. Las cosas se ponen muy duras en "No Easy Way Out" en la que se oye la magia guitarrera de su fiel colaborador, Zakk Wylde. El guitarrista de las giras de Ozzy de los últimos años, Joe Holmes, presta su colaboración como compositor en "That I Never Had" y "Junkie" (un tema rockero de tiempo medio que relata la historia de un adicto desesperado). "You Know (Part 1)" es un tema acústico maravilloso sobre el papel de Ozzy como padre de familia. Con el apoyo de la fenomenal sección rítmica de Robert Trujillo y Mike Bordin, las interpretaciones de EARTH están excelentemente conjuntadas. La producción de Tim Palmer lleva a Ozzy por el camino de la melodía, y el empleo en el disco de las cuerdas, teclados y algunos coros resalta algunas de las mejores interpretaciones vocales de Ozzy en años.

pass: bypollock

Ozzy Osbourne - Down To Earth (2001)

Tracklist:

01 get me through
02 facing hell
03 dreamer
04 no easy way out
05 that i never had
06 you know...(part 1)
07 junkie
08 running out of time
09 black illusion
10 alive
11 can you hear them

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AUDIOSLAVE

La historia de Audioslave comienza a fraguarse cuando Zack de la Rocha abandona Rage Against The Machine en octubre de 2000. Rápidamente, y antes de que la evidencia, que no era otra que RATM no iba a continuar existiendo sin Zack de la Rocha, se mostrara claramente, comenzó a extenderse el rumor de que el que fuera cantante, guitarrista y principal compositor de los seminales Soundgarden, Chris Cornell iba a reemplazar al incendiario rapero chicano. Pero, tanto Cornell como el resto de RATM, tenían claro que los éxitos alcanzados por uno (Cornell con Soundgarden) y los otros (RATM) habían sido muy importantes como para comenzar una nueva aventura musical amparándose en un nombre que significaba demasiadas cosas para los fans de Rage, y que jamás perdonarían la suplantación de De la Rocha por un tipo, que aunque respetado por todos como uno de los nombres importantes de la música americana de finales de los ochenta y los noventa, no se había distinguido por su furibunda manera de encandilar a los jóvenes más disconformes con la política de las principales potencias occidentales, tal y como hizo De la Rocha. La fuerte politización de RATM y el gran carisma de su cantante, unido a lo que acabamos de exponer, fueron, sin duda, razones de gran peso como para preferir dar vida a un nuevo proyecto, avalado, eso sí, por lo insigne de los nombres del line up de RATM y el cantante de Soundgarden.

La estrategia no podía fallar. Entre ambas bandas habían vendido millones de discos durante la década de los 90 y contaban en sus filas con dos auténticos pesos pesados de la música americana contemporánea: Chris Cornell y Tom Morello.
Chris Cornell: Nació en Seattle el 20 de julio de 1964 y su nombre ha estado siempre ligado al de Soundgarden, banda que formó a mediados de los 80 junto con Hiro Yamamoto (bajo), Kim Thayil (guitarra) y Matt Cameron (Batería). Ellos fueron los primeros abanderados del grunge –punk rock meets Black Sabbath- del sello Sub Pop y, también, los primeros en dar el salto a una multinacional, cosa que hicieron en 1989, año en el que pasaron a formar parte del sello A&M y publican el álbum Louder Than Love. También son destacables sus colaboraciones con Alice In Chains, Alice Cooper y The Ramones.

Tom Morello: Nació en Nueva York el 30 de mayo de 1964. Desde que era adolescente tiene dos pasiones: la música y la política. Es curioso que mientras estudiaba en Harvard Ciencias Políticas y hasta que se graduó, practicaba durante ocho horas diarias con su guitarra –de aquí su inmaculada técnica-. Decidió trabajar en política –llegó a hacerlo como secretario del Senador de California- y olvidar la música, sin embargo, a finales de los 80 le encontramos como parte de la formación de los angelinos Lock Up, banda que llegó a grabar un álbum para Geffen que vió la luz en 1989 bajo el título de Something Bitchin´This Way Comes. Pero no es hasta 1991 cuando se une a Zack de la Rocha Tim Commerford y Brad Wilk para formar Rage Against The Machine.

Cualquiera podía prever que el resultado no sería malo, con tanto nombre de relumbrón implicado, aunque a más de uno le vino inmediatamente a la cabeza el nombre de los súper grupos formados en el pasado y que nunca prosperaron de la manera que se esperaba de ellos; bien porque el producto no cubría las expectativas, bien porque es demasiado complicado moverse entre tanto EGO. Éste espíritu de súper grupo al que hacemos referencia, está muy presente en la filosofía de los componentes de Audioslave. La biografía de la banda que hay colgada en su web (www.audioslave.com) comienza así: “En el rollo de los súper grupos del pasado, dos de las bandas más importantes de los noventa han unido sus talentos para crear una nueva: Audioslave(…)”.

De esta manera, Chris Cornell, Tim Commerford, Brad Wilk y Tom Morello se pasaron todo el año 2001 componiendo y grabando canciones. En la primavera de 2002 dejan de usar definitivamente el nombre de RATM y se bautizan como Ozzfest, pero pasado el verano Cornell abandona el proyecto alegando que se está alejando de lo que él esperaba, sin embargo a principios de otoño vuelve junto a sus compañeros. A partir de aquí estuvieron barajando la idea de bautizarse como Civilian, pero fue el nombre de Audioslave el que adoptaron para sacar a la calle su primer single: “Cochise”. El debut se produjo en Septiembre de 2002 y fue recibido con cierto escepticismo por la crítica.

Los nombres de Cornell y de Morello, y como venimos insistiendo desde el principio, son suficiente aval para que Audioslave prospere. La primera piedra de su andadura ha sido el single Cochise, al que ya nos hemos referido anteriormente. Su primer álbum, homónimo, acaba de salir al mercado hace apenas un par de meses, bajo la etiqueta de Epic, y tiene todas las de convertirse en el primer clásico del post grunge. ´Out of Exile´(Interscope, 2005) es el título de su segundo trabajo, que se colocó en el número de ventas de Billboard nada más salir al mercado en mayo de 2005. En ése mismo mes, tocan en La Habana (Cuba), concierto que será registrado más tarde en DVD. Aprovechando el gran éxito de ´Out of Exile´, en septiembre de 2006 ponen en el mercado su tercer trabajo, ´Revelations´ (EPIC / Interscope, 2006).
A mediados de febrero de 2007, Chris Cornell, comenzando la promoción de su segundo disco en solitario ‘Carry On’, anuncia que abandona Audioslave. Semanas antes de hacer pública su decisión, la formación original de Rage Aginst the Machine confirmaba su actuación en el festival californiano de Coachella.



Audioslave - Cochise




Audioslave - Show Me How To Live




Audioslave - Like A Stone





Influencias:

Punk

El combativo espíritu de The Clash –banda que fue liderada por el fallecido Joe Strummer- está muy presente en Audioslave, sobre todo en la actitud de Morello, fan incondicional de los padres de London Calling. Tom se refiere así a ellos: “ La primera vez que oí a The Clash fue en el Instituto. Estaba trabajando en el periódico de la escuela cuando un día un amigo llamado Dave Vogel vino con una copia de London Calling que él estaba poniéndosela a todo el que quisiera escucharla. La portada me pareció muy cool y le pregunté a Dave si era Heavy Metal, él respondió que no pero que era realmente bueno. Dudé de lo que me decía, sin embargo, al final, le pedí que me lo prestara y me hice una copia. Cuando la escuché no paré de ponerla. Primero no me lo podía quitar de la cabeza, después me llegó al corazón y al final se quedó con mi alma y The Clash, pronto, se convirtieron en mi grupo favorito”.

Hard Rock de Birmingham (Black Sabbath y Led Zeppelin)
En general, todas las bandas grunge que nacieron a finales de los ochenta, bebieron a partes iguales de las dos principales bandas de hard rock de Birmingham que nacieron a finales de los 60: Black Sabbath y Led Zeppelin. Podemos decir que tanto de unos como de otros, las bandas grunge y, por supuesto, Audioslave, han heredado la manera de hacer que la base rítmica suene como una apisonadora. Tanto la guitarra como el bajo hacen exactamente lo mismo siempre que aparece algún riff, a la vez que cada acento es apoyado a golpe de bombo. Tom Iommi (guitarrista) y “Geezer” Butler (bajo) y Bill Ward (batería) eran auténticos especialistas en crear estas bases demoledoras, sobre las que el histriónico Ozzy Osbourne (sí, sí, el papá de The Osbournes) cantaba.

Si los Sabbath eran buenos creando éste tipo de bases, Led Zeppelin eran los mejores. Las bases que crearon Jimmy Page (guitarra), John Paul Jones (Bajo) y John Bonham (batería), son clásicas, auténticas obras de arte rítmicas.

La impronta de ambas bandas, que ya fue en su día uno de los leif motiv de grupos como Nirvana, Alice In Chains, Soundgarden, etcétera, está bien presente en Audioslave.



Disco Recomendado:

Audioslave - Audioslave (2003)

Después de pasarse un año componiendo y arreglando canciones, aquí está el fruto. Audioslave –primer álbum homónimo- acaba de salir al mercado, siendo el único precedente el single Cochise – nombre del más grande de los indios apache junto con Geronimo-.

Nada nuevo se puede encontrar en los surcos de Audioslave. Tom Morello continua elaborando unos poderosos riffs de guitarra sobre la sólida base rítmica que le proporcionan los que han sido sus compañeros durante más de una década, Tim Commerford (bajo) y Brad Wilk (batería), y Chris Cornell, y su inconfundible tono, pone la melodía. El álbum está más cercano al hard rock setentero que cualquiera de los trabajos anteriores de sus protagonistas con Rage Against The Machine y Soundgarden. Todos los temas están elaborados con ritmos sincopados en los que el legado de bandas como Led Zeppelin y Black Sabbath está muy presente. Todos –guitarra, bajo y batería- hacen lo mismo –principal característica del hard rock al que ya nos hemos referido-.

La producción la han dejado en manos de un veterano como Rick Rubin, personaje natural de Long Island y reputado productor por haber conseguido dotar al rap metal de personalidad y por haber producido tres discos importantísimos de la década de los 80: Licensed To Ill de Beastie Boys (1986) y Raising Hell de Run D.M.C (1986) y Yo! Bum Rush The Show de Public Enemy (1987). También ha trabajado con bandas como The Cult, a la que, por cierto, es posible asemejar con Audioslave debido a lo épico del tono sus respectivos cantantes: Ian Ashbury y Chris Cornell y con los red Hot Chili Peppers.

Catorce canciones componen el primer álbum de Audioslave, de las que destacan Cochise -Tom Morello buscando a Jimmy Page desesperadamente en la línea, salvando las distancias, del Rock ´n´ Roll de Led Zeppelin-, Gasoline, Bring Em Back Alive o Getaway Car.

Un más que irregular trabajo de presentación que, no obstante, satisfará a todos los incondicionales de RATM y Soundgarden. Sin embargo, nuestros insignes protagonistas no deberían dormirse en los laureles.



Audioslave - Audioslave (2003)

Tracklist:

1.Cochise
2.Show Me How To Live
3.Gasoline
4.What You Are
5.Like A Stone
6.Set It Off
7.Shadow On The Sun
8.I Am The Highway
9.Exploder
10.Hypnotize
11.Bring Em Back Alive
12.Light My Way
13.Getaway Car
14.Last Remaining Light, The

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